Al Teatro Franco Parenti di Milano, Costellazioni il celebre testo del drammaturgo britannico Nick Payne, si conferma uno di quegli spettacoli che trasformano un’idea teorica in un’esperienza teatrale concreta e quasi fisica. Non si tratta semplicemente di raccontare una storia d’amore, ma di mostrare come quella stessa storia possa essere vissuta in molte versioni diverse, quasi fosse osservata attraverso universi paralleli.
La struttura dello spettacolo è tanto semplice quanto vertiginosa. In scena si susseguono una moltitudine di brevi situazioni: piccoli frammenti di dialogo che si ripetono più volte. Spesso le parole sono identiche, o quasi. Cambiano però il tono, il ritmo, la postura dei corpi, la distanza tra i personaggi. E con queste variazioni minime, la stessa scena assume ogni volta un significato completamente diverso.
È qui che Costellazioni rivela la sua forza. Una frase pronunciata con leggerezza può trasformarsi in una confessione timida; la stessa frase, detta con un accento diverso o con un gesto appena accennato, può diventare rifiuto, desiderio, ironia o fragilità. Il pubblico assiste così a una sorta di laboratorio emotivo in cui il linguaggio, invece di essere stabile, si moltiplica. Le parole restano, ma il loro senso cambia continuamente.
Questo meccanismo coinvolge profondamente anche chi guarda. Ogni spettatore finisce inevitabilmente per proiettare qualcosa di proprio nelle sfumature dei dialoghi. Il modo in cui percepiamo un tono o una pausa dipende dalla nostra esperienza, dal nostro modo di comunicare, dalle relazioni che abbiamo vissuto. Così la stessa scena può suggerire a qualcuno un futuro romantico, a un altro una rottura imminente.
Un esempio emblematico è il momento in cui i due protagonisti si incontrano per la prima volta e si crea quell’ambiguità tipica dei primi appuntamenti: resteranno insieme quella notte oppure no? La scena ritorna più volte, ogni volta con un’intenzione diversa. Basta un cambio di inflessione o una postura leggermente più chiusa perché l’intero esito della situazione sembri mutare. E ogni spettatore, quasi senza accorgersene, si costruisce mentalmente un finale diverso.
Il dispositivo scenico contribuisce in modo decisivo a questa sensazione di molteplicità. Il palco è una pedana quadrata a specchio, circondata da una sottile striscia di LED che ne delimita il perimetro. Sopra questo spazio essenziale scendono coni di luce che cambiano dimensione e intensità: a volte larghi e densi, quasi come se scendessero da un cielo lontano; altre volte sottili come fili luminosi. Queste traiettorie luminose si incrociano, si allontanano o restano isolate, suggerendo visivamente l’idea di traiettorie possibili, come stelle in una costellazione che si connettono in modi sempre diversi.
La luce, in questo senso, non è soltanto atmosfera ma linguaggio. Il modo in cui i coni luminosi si dispongono sul palco sembra quasi suggerire direzioni narrative differenti, come se potessero determinare il destino della scena. Ma proprio quando sembra di intuire dove porterà una situazione, lo spettacolo ribalta l’aspettativa. Ciò che appare coerente con il nostro modo di vedere le cose non porta necessariamente al finale che immaginiamo.
È questo continuo slittamento tra previsione e sorpresa che rende Costellazioni un’esperienza teatrale così particolare. Lo spettacolo sembra dirci che non esiste un modo totalmente giusto o sbagliato di parlare, di reagire, di amare. Le stesse parole, pronunciate con un tono diverso, possono cambiare la percezione della realtà, ma non garantiscono di controllarne il risultato.
Alla fine si esce dal teatro con una sensazione ambivalente. Da un lato lo smarrimento: qualunque scelta facciamo, non possiamo sapere davvero dove porterà. Dall’altro lato, la vertigine delle possibilità: come se ogni relazione, ogni dialogo, ogni incontro contenesse dentro di sé molte vite diverse.
Costellazioni mette in scena proprio questo: la possibilità di vivere infinite varianti della stessa storia, spesso pronunciando la stessa identica frase. E forse, guardando quelle piccole variazioni di tono, postura e luce, si intuisce una verità semplice e disarmante: non basta capire come ci parliamo per sapere come andrà a finire.
Diego Papadia, classe 1989, originario di Mesagne (BR), vive a Milano dall’età di 19 anni. Lavora nel settore della consulenza informatica occupandosi di supporto applicativo, competenza che affianca all’attività giornalistica online. Appassionato di arte, editoria e teatro, scrive dal 2012 per diverse testate digitali, attualmente per Weblombardia, ricoprendo il ruolo di responsabile Cultura, Musica e Spettacolo, occupandosi principalmente di spettacoli dal vivo, eventi culturali e recensioni, con particolare attenzione alla divulgazione e alla condivisione di esperienze. Appassionato di viaggi e bicicletta (ma non di social network), ogni momento è buono per fare nuove avventure. Dal 2025 vive a Monza e si occupa di eventi e spettacolo anche nella verde Brianza.